Anne a vu pour vous............

TOUT EST VANITE

Entourée d'objets, une femme se penche sur un crâne humain. Sans un regard pour nous, elle semble perdue dans une profonde méditation. Ce sujet de Domenico Feti, parfois confondu avec une Marie-Madeleine pénitente, s'inspire en fait d'une célèbre gravure de Dürer sur le thème de la mélancolie.

A cette époque, la mélancolie est considérée comme un tempérament et non comme un sentiment. On croit en effet que l'homme est régi par quatre humeurs: le flegme, le sang, la bile jaune et la bile noire. C'est donc la prépondérance de l'une d'elles qui influence le caractère: flegmatique, sanguin, colérique ou mélancolique. La mélancolie, mal perçue au Moyen-Age, connait une revalorisation à partir de la Renaissance car c'est le caractère qui semble le mieux correspondre à l'esprit contemplatif de l'artiste comme du religieux: l'un et l'autre en but au désespoir car ils ne peuvent parvenir aux visions ultimes de l'inspiration ou de la foi.

Ce tableau sera présenté lors du cycle en salle ART'Hist "Tout connaître du Louvre", mercredi 16 mai 2012.

PORTRAIT D'UN ROI

Fin lettré, le roi Charles V a exercé son pouvoir de manière subtile et efficace au coeur d'un siècle marqué par les crises.               

Récession économique, guerre de Cent Ans, terrible épidémie de peste ont fait de ce siècle, un siècle d'incertitudes. Malgré les difficultés, une véritable politique des arts s'instaure et la sculpture se voit investie d'un rôle politique: proclamer la magnificence royale. 

L'année même de son avènement, en 1364, Charles V commande son gisant à André Beauneveu. Ce sera le premier portrait d'un roi réalisé de son vivant. Le souverain apparaît vêtu comme il l'était le jour du sacre. Son visage nous livre une image saisissante, celle d'un homme de 27 ans précocement vieilli par la maladie. Aussi cruel soit-il, cet exceptionnel chef-d'oeuvre témoigne de la naissance du portrait au Moyen-Age. 

 Cette oeuvre sera présentée lors de la visite de la basilique Saint-Denis vendredi 8 juin. Voir la rubrique Visites guidées.

SOURIRES ET GRIMACES

C'est un rapport ambigu, basé sur la ressemblance qui lie depuis des siècles l'homme au singe.                                                                                             Doublet humain, le singe est un sujet exotique au 18e siècle. Lancret, Watteau, Huet contribuent à cette mode des singeries qui se développe alors en occident parallèlement au goût des chinoiseries. 
Arts décoratifs, gravures, tableaux déclinent avec bonheur les multiples situations d'une gente simiesque qui
s'impose, souvent de manière cruelle, en miroir de l'homme. La palme de l'ironie revient probablement au peintre Von Max. Comme Chardin puis Decamps il met en scène un singe acteur: le détail de cette peinture reproduit un groupe d'animaux devenus critiques d'art. Mais l'expression hébétée du singe central renvoie au cliché de ce même critique ... qui n'est peut-être pas toujours en mesure d'exercer son métier avec intelligence.

Malgré les efforts déployés par le singe pour ressembler à l'homme, une certitude (rassurante) s'imposa longtemps: la bête ne détient pas le langage, expression essentielle de l'humanité qui la différencie des humains. Puis vinrent les théories de l'évolutionnisme .... et celles de la parenté du singe à l'homme ! Le tableau de Von Max n'était donc peut-être pas si éloigné d'une certaine réalité.

Voir: l'exposition du Grand Palais " Beauté animale" jusqu'au 16 juillet 2012.

Une visite guidée est prévue Jeudi 24 mai (places disponibles). Voir rubrique VISITES GUIDEES..

L'ART DE LA DIVISION

C'est vers la fin des années 1880 qu'émerge une nouvelle approche du paysage en peinture;  plus intellectuelle, elle privilégie la réflexion et l'emporte parfois sur la traduction des impressions visuelles.                                                                                                      Préoccupée par le rôle de la forme, soucieuse de ne plus la dissoudre dans la vibration colorée des impressionnistes, une jeune génération de peintres adopte la théorie du contraste simultané des couleurs et la technique de la division de la touche.

En 1886, leur chef de file, Georges Seurat, participe à la dernière exposition impressionniste en exposant une toile "Un après-midi à la Grande Jatte" (Chicago) aussitôt considérée comme le manifeste de cette nouvelle tendance. Très critiquée, elle fut considérée pourtant par quelques-uns comme annonciatrice d'un art nouveau.                                                              
Au cours des années suivantes, entouré de Signac et Cross, Seurat va définir un nouvel art de peindre nourri de lectures sur l'optique ou sur la science des couleurs. Bien que proches des sujets impressionnistes - paysages et scènes de la vie quotidienne - leur démarche scientifique et leur esthétique moderne proposent un regard neuf sur le monde mais désormais très éloigné de la spontanéité de leurs ainés.   

En savoir plus:  Une vidéo sur l'art de Seurat

Activités:  Atelier pour enfants sur le thème du pointillisme mardi 24 avril 2012.  Téléchargement Atelier enfants ART'Hist avril 2012

LES LARMES DE SAINT PIERRE

Le thème des larmes de Saint-Pierre est relativement récent puisqu'il apparaît après le concile de Trente. Il représente le moment qui suit le triple reniement de Jésus par Pierre. Ce dernier prend conscience de l'horreur de son acte, après avoir entendu le chant du coq.

Au 17e siècle, la peinture religieuse favorise les sujets montrant des saints repentants. Ce sont des exemples à suivre: la reconnaissance de la faute commise ainsi que la contemplation peuvent permettre d'obtenir la grâce. 

En cette période de Contre-Réforme, les catholiques accordent une importance grandissante à la piété personnelle et la peinture devient le support privilégié de ce type de dévotion.

La composition du tableau exécuté par Le Guerchin pour un collectionneur privé met donc l'accent sur la proximité de la scène. Les deux personnages sont coupés à mi-corps établissant ainsi une vue rapprochée qui incite le spectateur à partager la douleur exprimée. Ce tableau du Louvre s'inspire d'un poème de Luigi Tansillo. Il témoigne du succès de ce sujet exploité par les poètes, les peintres et les musiciens dès la fin du 16e siècle. Peu avant sa mort, le compositeur Roland de Lassus achève son oeuvre ultime " Le Lagrime di San Pietro" chanté a cappella. Les larmes subliment celui qui les verse mais elles obéissent surtout à une véritable stratégie de l'émotion, typiquement baroque et propre à l'exaltation des fidèles.  

 GUERCHIN,"LE LOUCHEUR". Comment le croire ? L'un des meilleurs peintres du baroque était affligé d'un strabisme qui lui valut le surnom peu flatteur de 

Guerchin, le loucheur en italien. Originaire d'une petite ville située à mi-chemin entre Ferrare et Bologne, Giovanni Francesco Barbieri se forgea un style personnel original fortement imprégné de l'art des Carrache. Bien que moins connue, son oeuvre de caricaturiste démontre la virtuosité qui fut la sienne dans un genre en devenir.

A parcourir, le livret d'une exposition sur les dessins de Guerchin: Téléchargement Fureurs et grâces - Le Guerchin

Ces informations complètent la conférence du 4 avril 2012, cycle Tout connaître du Louvre.

 

LE LIFTING DE SAINTE-ANNE

Et oui, il en va de la beauté des femmes peintes comme des autres. Elles sont parfois fatiguées alors leur teint devient moins clair, l'élasticité des pigments se relâche.... et après bien des tergiversations avec leur entourage, elles se décident à sauter le pas.
C'est ce qui est arrivé à Sainte-Anne (celle de Léonard; vous l'aviez compris ...). Bien entourée par l'équipe des conservateurs du Louvre, elle s'est installée pour de longues semaines dans les salons des restaurateurs.

A une petite différence près: lors de votre dernier rendez-vous pour un masque facial chez l'esthéticienne, le gratin de la presse artistique ne vous a pas consacré l'ombre d'une ligne dans ses colonnes !

A lire en complément de la séance Actualité des expositions: angoisses et interrogations autour du lifting de cette belle personne.

A visiter; l'exposition que lui consacre le Louvre. Visite guidée le jeudi 7 juin à 15h : il reste encore quelques places (voir la rubrique Visites guidées dans la marge).

ÉLÉGANCE ET VIOLENCE DU RAPT

L'art baroque a été fortement marqué par une réthorique d'action qui s'exprime parfaitement dans les scènes de rapt. Tout au long du 17e siècle, peintres et sculpteurs multiplient les exemples. Ainsi, Apollon et Daphné ou l'Enlèvement de Proserpine qui offrent au génial Bernin l'occasion de prouver la virtuosité de sa technique et l'expression de son génie tourmenté.

En peinture ce sujet de l'enlèvement. apparait tout aussi déterminant dans l'interprétation du mouvement. Cependant chez le bolonais Guido Reni, il permet d'étudier une évolution qui le mènera vers l'élégance et l'harmonie apaisée de la peinture classique.  Commandé en 1617, "l'enlèvement de Déjanire" révèle sa conception très personnelle de l'anatomie.  Mi-homme, mi-animal le corps du centaure est représenté avec un naturalisme extrême mais expurgé de toute laideur, de toute vulgarité. Belle réussite d'un peintre sensible au "naturel" préconisé par les Carrache : la liaison entre le buste et les pattes de cet être hybride est admirable .

D'un cacactère indépendant, peu enclin à rester dans le sillage des Carrache, Reni poursuivra ses recherches; élaborant son propre langage fondé sur le culte de la beauté. 

Quelques années plus tard, cette maturité s'exprime dans un autre sujet d'enlèvement, celui de la belle Hélène par Pâris. Mais cette fois le changement est radical.                                                                                       La tension laisse place à un moment de grâce, d'élégance; deux sentiments qui définiront la mise en scène de la peinture classique. 

Complément de la séance du mercredi 21 mars - Cycle Tout connaître du Louvre - Peintures italiennes.

DANSE ET POLITIQUE

C'est en Allemagne que se sont développées quelques-unes des avancées les plus significatives de l'art du XXe siècle. Mais c'est aussi d'Allemagne, à l'aube de la seconde guerre mondiale, que s'élèveront les critiques les plus menaçantes contre une modernité qui ne plaisait guère aux nouveaux maîtres du pays. Ces grandes avant-gardes ont ouvert la voie à des expérimentations déterminantes, elles ont profondément modifié la création et ses territoires, établissant des passerelles entre les arts. 

La danse devient ainsi un sujet de réflexion aux multiples interprétations. Image du corps dans sa version la plus primitive, celle des danses ancestrales, la peinture expressionniste renoue avec une religiosité archaïque que sert la violence de ses couleurs. Emil Nolde qui admire la danseuse Mary Wigman, se fait l'interprète de scènes de transe qui évoquent à la fois le domaine du mythe et celui de la religion. Oscar Schlemmer appelé au Bauhaus par Gropius en 1921, réfléchit à la figuration des anatomies dans
l'espace. Peintre, sculpteur, il devient metteur en scène et révolutionne l'art du ballet contemporain avec le ballet triadique en 1922. Son constat d'une société bouleversée par la mécanisation le conduit à imaginer une nouvelle esthétique où le costume et le masque jouent un rôle déterminant. A l'image du monde moderne dominé par la machine, le costume impose ses règles et contraint le corps dans ses mouvements générant une nouvelle façon de se mouvoir. 

Le caractère volontiers provocateur de ces nouvelles approches artistiques se heurtera aux nouveaux principes imposés avec l'avènement du régime nazi. Organisée en 1937 par Goebbels, ministre de la propagande, l'exposition consacrée à "l'art dégénéré" mit au pilori Nolde, Schlemmer, Wigman et bien d'autres artistes novateurs.

Ce thème de la danse à travers l'art moderne sera présenté dans le cadre du cycle Actualité des expositions du 14 au 16 mars 2012.

Voir l''exposition "Danser sa vie" au centre Pompidou jusqu'au 2 avril 2012.

 

SUR LE ZINC

A Paris, au 19e siècle, débute véritablement le mythe de la vie d'artiste, qui devient bien souvent synonyme de la vie au café.                                                                                              Et bien avant Montparnasse, c'est à Montmartre que rapins et plumitifs sans le sou se réunissent dans ces nouveaux temples de l'intelligence, ces "lieux où souffle l'esprit". Après la Commune et la proclamation de la IIIe République un "pauvre café" de la place Pigalle "fréquenté par tous les mauvais sujets de l'art" devient le lieu de rendez-vous de cette bohème.                                
 

Immortalisé par Degas dans un célèbre tableau, la Nouvelle Athènes accueille les peintres Renoir, Fantin-Latour, Caillebotte. Satie joue du piano pour gagner sa vie, Mallarmé bavarde avec Villiers de l'Isle-Adam tandis que Sarah Bernhardt y fait quelques apparitions.                                                                                Lieux de rencontre, les cafés furent aussi sources d'inspiration et les témoins muets de la naissance de nombreux courants artistiques.

Complément du cours: "Un p'tit blanc sur le zinc. Cafés, bistrots, guinguettes" mardi 15 mars 2012 - Cycle Tout connaître de Paris. 

POUDRE DE LICORNE ET DE PERLIMPINPIN

Dès l'Antiquité et, plus précisément depuis Ctésias de Cnide, des légendes confirment la croyance en un animal fantastique muni d'une corne d'ivoire.

 Auréolée de prestigieux pouvoirs, cette longue corne apparait peu à peu comme une sorte de panacée universelle. On la conseille notamment comme remède contre la tristesse et, avant qu'Ambroise Paré ne mette en doute ses vertus thérapeutiques, les esprits les plus éclairés échangent des recettes d'une grande variété. Le philosophe Marsile Ficin préconise d'en porter un fragment comme pendentif ou de le sucer. Antonio Fumannelli, médecin, préfère la consommer râpée dans une boisson. Préparée sous forme d'infusions, on vante aussi ses mérites pour prévenir les maladies contagieuses, protéger le coeur et même, repousser le venin.

                                                                                                                               Au Moyen-Age  la licorne devient un symbole de
pureté et de chasteté dans la littérature courtoise. Elle trouvera une interprétation remarquable dans la belle tenture dite de "La dame à la Licorne" désormais conservée au Musée de Cluny. 

Atelier des Grands (pour adultes) - mardi 5 avril sur la Tenture de la Dame à la Licorne (conférence hors cycle annuel: places disponibles - voir la rubrique Visites guidées)